Aspectos introductorios
En esta entrega vamos a hablar acerca de dos subgéneros musicales muy importantes que, a la vez, se complementan. Ambos tienen sus orígenes a mediados de los años setenta. Por una parte, el Glam Rock (“Glam” por Glamour) con un componente estético clave; por la otra, el Rock Alternativo, que procura, dentro de las bases que le trae el Rock Progresivo, introducir cambios en la música para constituir un subgénero más sencillo, comercial y, en definitiva, de “fácil digestión” por parte del público.
En el caso del Glam Rock vamos a comentar sobre tres bandas (y artistas) super famosos: Roxy Music, David Bowie y Queen. Con referencia al Rock Alternativo, sobre U2 y The Police.
El Glam Rock
Roxy Music
Roxy Music es una banda de rock inglesa formada en 1970 por el cantante y compositor Bryan Ferry y el bajista Graham Simpson . Los otros miembros veteranos fueron Phil Manzanera (guitarra), Andy Mackay (saxofón y oboe ) y Paul Thompson (batería y percusión). Otros miembros incluyeron a Brian Eno (sintetizador y efectos especiales), Eddie Jobson (sintetizador y violín) y John Gustafson (bajo). Aunque la banda se tomó un descanso de las actividades grupales en 1976 y nuevamente en 1983, se reunieron para una gira de conciertos en 2001 y realizaron giras juntos de forma intermitente durante los años siguientes.
Se trata de una banda definitivamente revolucionaria en cuanto al tipo de música que hace. La verdad es bastante difícil enmarcar a Roxy en un solo subgénero, porque tiene elementos del Pop, de la música Progresiva y, por supuesto, mucho de electrónica.
A continuación, les coloco dos links. El primero, con el disco completo Avalon (del cual hablaremos a continuación), y el segundo, un concierto de Roxy Music en el Hammersmith Apollo London, en el año 2001.
https://www.youtube.com/watch?v=LMuam2eJzLc
El grupo también transmitió su marca distintiva de sofisticación visual y musical con su enfoque en la moda glamorosa. Aparte de esto, Ferry y el miembro cofundador, Eno, han tenido carreras en solitario influyentes.
El último álbum de estudio de Roxy Music fue Avalon (1982), fue certificado Platino en los Estados Unidos. En 2005, la banda comenzó a grabar lo que se habría convertido en su noveno álbum de estudio y su primer álbum con Eno desde 1973 (escribió dos canciones para él y también tocaba los teclados). Sin embargo, Ferry finalmente anunció que el material de estas sesiones se lanzaría como un álbum en solitario de Ferry, con Eno tocando en “un par de pistas”, y que creía que el grupo nunca volvería a producir un disco como banda.
En el año 2011, Roxy Music tocó una serie de espectáculos para celebrar su 40 aniversario, pero quedó inactiva como entidad interpretativa después de los conciertos. En 2019, Roxy Music fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll
En 2022, Roxy Music se reformó para una gira con motivo del 50 aniversario de su primer álbum.
Queen
Esta banda inglesa prácticamente no necesita presentación. Es, conjuntamente con grupos de Rock como Roxy Music y David Bowie, pionera en lo que se ha denominado del Glam Rock. Como ya hemos dicho, este subgénero se caracteriza, a diferencia del virtuosismo del Rock Progresivo, por buscar el equilibrio entre la música y la estética, lo cual se aprecia claramente en Queen. También se buscaba hacer frente a la imagen del macho-rock imperante en el Rock Clásico, por lo que muchos de los lideres de este subgénero se disfrazaban con atuendos femeninos y provocativos. Tal es el caso de Freddie Mercury (Queen) y de David Bowie, entre otros.
En el caso particular de Queen, el fabuloso disco At Night at The Opera (Una noche en la ópera) (el cuarto disco en estudio) es un muy buen ejemplo de lo que estamos comentando y de la “teatralidad” con la que fue abordada su música.
Un dato muy curioso de Queen. El Logotipo de la banda, diseñado por el propio Mercury, combina los signos del zodiaco de los cuatro miembros: dos leones para Leo (Deacon y Taylor), un cangrejo para Cáncer (May) y dos hadas para Virgo (Mercury). Los leones abrazan una letra Q estilizada, el cangrejo descansa sobre la letra con llamas que se elevan directamente sobre él, y las hadas se refugian debajo de un león. También hay una corona dentro de la Q y todo el logotipo está eclipsado por un enorme fénix. Todo el símbolo tiene un parecido con el escudo de armas real del Reino Unido.
Un detalle técnico en cuanto a la grabación de At Night at The Opera. El grupo requería multipistas para sus complejas armonías vocales, que normalmente consistían en Brian May cantando los registros más bajos, Mercury cantando registros medios y Taylor interpretando las partes más altas. A diferencia de sus primeros tres álbumes, en los que habían usado una cinta de 16 pistas, At Night at the Opera se grabó con una cinta de 24 pistas. Sus armonías vocales son particularmente notables en la canción “Bohemian Rhapsody”, que presenta una elaborada secuencia de ópera dominada por voces multipista. De manera similar, “The Prophet’s Song” (La canción del profeta) tiene una sección central a capella que utiliza retardo en la voz de Mercury.
Por otra parte, para sus orquestaciones de guitarra, May superpuso su guitarra denominada “Red Special” a través de un amplificador construido por Deacon, conocido como Deacy Amp. Las capas de guitarra son una de las técnicas distintivas de May como guitarrista de Rock.
En el siguiente link incluimos el disco mencionado en su totalidad. Realmente, un disco brillante, lleno de creatividad, diferentes estilos de música, virtuosismo y, sobre todo, la genialidad de uno de los más grandes cantantes y compositores de Rock de todos los tiempos: Freddie Mercury.
A continuación, otro link con un concierto de Queen en Budapest en el año 1986. Se puede apreciar claramente lo complejo de la composición, la variación constante de ritmos y melodías, la importancia del piano en la estructura de la canción y, por supuesto, la grandeza de Mercury.
https://www.youtube.com/watch?v=bMPOMT251mQ
David Bowie
Finalmente hablaremos de un gran artista, no solo en su dimensión como musico, sino también, productor, actor y diseñador: David Bowie. Les confieso que no es el músico que mas me engancha, pero obviamente reconozco su enorme magnitud de artista integral. Nacido en Londres en el año 1947, con el nombre de David Robert Jones, fue una figura muy importante de la música popular durante casi cinco décadas. Lamentablemente, murió en el año 2016 en la ciudad de New York.
Bowie consiguió en 1975 su primer éxito en los EEUU, gracias a su exitoso sencillo “Frame” (Cuadro), el cual coescribió nada mas y nada menos que con Jon Lennon. También, a su disco “Young Americans” (Jóvenes Americanos), que el mismo Bowie calificó como un disco de Plastic Soul (término que significa algo así como un artista blanco interpretando música Soul).
Este disco cambió definitivamente la música que venía haciendo en sus discos anteriores en el Reino Unido, caracterizados por una experimentación sonora y visual sin precedentes en la cultura popular (especialmente por la creación de su extravagante y andrógino álter ego llamado Ziggy Stardust).
De la amplia discografía de Bowie (25 discos en estudio, 9 álbumes en directo, 46 recopilatorios y 13 álbumes de videos), me quedo con su mayor éxito comercial a nivel mundial que fue el disco “Let´s Dance” (Vamos a bailar) del año 1983.
Es el decimoquinto álbum del artista, coproducido por Nile Rodgers de la banda Chic. Este álbum se convirtió en el mas vendido de la carrera de Bowie y le colocaría en el Nº 1 de los países de todo el mundo y en la portada de todas las revistas de moda.
Como anécdota muy rara, Bowie no tocó ningún instrumento en el disco, alegando que se “tratada de un disco de un cantante”. El artista definió el estilo del disco como “el disco es un nuevo tipo de híbrido, usando la guitarra de blues-rock, en un formato de baile”.
Dada la importancia de este disco, su éxito comercial, pero, sobre todo, las distintas experimentaciones musicales y subgéneros que se pueden apreciar en él, les coloco el link al disco completo:
El Rock Alternativo
U2
Vamos a hablar ahora brevemente de un grupo fabuloso, con una música sencilla pero inteligente, con letras profundas, pero, sobre todo, con unos músicos, que, aunque no se pueden considerar como virtuosos, si es verdad que hacen una música diferente y original. Se trata de la banda irlandesa U2, formada en Dublin en el año 1976.
El grupo está formado desde sus inicios por Bono (voz principal y guitarra rítmica), The Edge (guitarra principal, teclados y coros), Adam Clayton (bajo) y Larry Mullen Jr. (batería y percusión). Arraigado inicialmente en el post-punk , el estilo musical de U2 ha evolucionado a lo largo de su carrera hacia el Rock Alternativo, pero ha mantenido una cualidad de himno construida sobre la expresiva voz de Bono y los repiques y efectos de Edge. Sus letras, a menudo adornadas con imágenes espirituales, se centran en temas personales y sociopolíticos.
The Joshua Tree (El árbol de Josué) es el quinto álbum de estudio de la banda. Fue producido por Daniel Lanois y Brian Eno (ya hemos hablado de él como precursor de la Música Ambiental y, además, un gran productor), y fue lanzado el 9 de marzo de 1987 en Island Records. En contraste con la experimentación ambiental de su lanzamiento de 1984, The Unforgettable Fire (El fuego inolvidable), la banda buscaba un sonido más contundente dentro de la limitación de las estructuras de canciones convencionales en The Joshua Tree.
El álbum está influenciado por la música de raíces estadounidenses e irlandesas, con letras sociopolíticamente conscientes adornadas con imágenes espirituales. Contrasta la antipatía del grupo por la “América real” con su fascinación por la “América mítica”.
En vista de lo extraordinario que es el disco, les anexo a continuación el link al álbum completo:
The Police
Finalmente, vamos a hablar de The Police. Una banda de rock inglesa que tiene varias calidades que la hacen diferente. Se formó en Londres en el año 1977 y se disolvió “amigablemente” en 1986. No obstante, entre los años 2007 y 2008 se reunieron para hacer una gira muy exitosa desde el punto de vista de la afluencia a los conciertos y de las ganancias de los músicos.
Por una parte, se trata de un trío conformado por: Sting (voz principal, bajo), Andy Summers (guitarras) y Stewart Copeland (batería y percusión). Ya de por sí, un trío trae ciertas dificultades a la hora de tocar la música en directo. Por la otra, hicieron una música diferente, con una estructura rítmica y armónica muy sencilla, y con influencias muy importantes del Punk, el Reggae y el Jazz. Finalmente, y esto es un criterio muy personal, a pesar que compusieron una música innovadora, no obstante, fue muy exitosa desde el punto de vista comercial.
Vamos a comentar algo de su último disco en estudio, Synchronicity (1983). Para muchos especialistas (y yo que no me considero tanto) es una “master piece”. Esto lo digo por varias razones.
En primer lugar, es un disco muy variado, con mucho de pop, toques progresivos, jazz y, por supuesto, reggae. Aunque, es el disco que más se aleja del reggae si se le compara con los cuatro discos anteriores. Muchos especialistas lo consideran la transición hacia lo que Sting comenzaría a hacer en adelante con su carrera en solitario.
En segundo lugar, la música es mas completa (y, si se quiere, compleja) que la de los discos anteriores. Una de las razones, el uso “masivo” de los teclados y sintetizadores, lo cual se refleja claramente en canciones como Synchronicity I y Wrapped Around Your Finger (algo así como envuelto alrededor de tus dedos).
En tercer lugar, el disco tiene menos sobregrabaciones (“overdubs”) que los anteriores, con lo que da una mayor sensación de “trío”.
Fue el número 1 en el Reino Unido, Canadá, Australia, Italia y EEUU, vendiendo más de 8 millones de copias solamente en EEUU. Su sencillo principal, “Every Breath You Take” (cada respiro que tomas), se convirtió en su quinto Nº 1 en el Reino Unido y el único número uno en los Estados Unidos.
Durante este tiempo, la banda fue considerada uno de los líderes de la “segunda invasión británica de los Estados Unidos”. En 1983, Rolling Stone los calificó como “el primer acto británico de New Wave en abrirse paso en Estados Unidos a gran escala, y posiblemente la banda más grande del mundo” (Fuente: Police play in Shea Stadium. BBC. Retrieved 26 January 2014).
Al igual que con el disco anterior, Ghost in the Machine (Un fantasma en la máquina), la grabación de Synchronicity se llevó a cabo durante un período de seis semanas, en AIR Studios en Montserrat. Los tres miembros de la banda grabaron las pistas básicas en vivo en habitaciones separadas: Stewart Copeland con su batería en el comedor (conectado a la sala de control a través de un enlace de video), Sting en la sala de control y el guitarrista Andy Summers en el estudio real.
Según el coproductor e ingeniero Hugh Padgham (que por cierto fue ingeniero de sonido en varios discos de Genesis), esto se hizo por dos razones: para obtener el mejor sonido para cada instrumento y “por razones sociales” (Fuente: Buskin, Richard. Marzo de 2004).
Como una anécdota curiosa, durante el proceso de grabación de “Every Breath You Take”, Sting y Copeland se pelearon y Padgham casi abandonó el proyecto. La ??canción se intentó originalmente con el método en vivo, pero debido a muchas tomas fallidas, tuvo que ensamblarse completamente a partir de sobregrabaciones, incluso todas las partes de batería se grabaron por separado.
The Police se disolvió en 1986, pero se reunió a principios de 2007 para una gira mundial única que terminó en agosto de 2008.
Finalmente, dos links. En el primero les enlazo con el disco completo. En el segundo, podemos apreciar a la banda en su gira de despedida realizada en el año 2008, interpretando “Every Breath You Take”.
https://www.youtube.com/watch?v=wdS-jpFgRo4
